Album de la Semaine : Nick Cave & The Bad Seeds - Skeleton Tree

Nick Cave & The Bad Seeds
Skeleton Tree

Interview de Nick Cave, par Les Inrocks

Ton album est plutôt crépusculaire : le genre de disque d’un homme revenu assagi de tous les excès…
Nick Cave – Un album de vieux sage ? Je ne sais pas comment ça a pu arriver (rires)… Je n’avais aucune intention de faire un disque calme, il s’est juste imposé de lui-même. C’est un album très français : il a été enregistré le ventre plein de nourriture et de vins locaux au studio la Fabrique, en Provence. Le lieu a vraiment eu une forte influence sur l’ambiance du disque, son atmosphère m’a submergé… Après une semaine de vie commune dans ce cadre, nous nous sommes assis pour écouter les premières prises et nous n’en revenions pas : nous n’avions aucune intention musicale en arrivant, mais là, clairement, le lieu avait décidé pour nous. Nous n’avions encore jamais fait un tel disque, avec une telle cohérence, une continuité dans les textes et la musique. Jamais nous n’avions accordé une telle place au silence.
D’habitude, la tension rôdait, menaçait avant d’exploser. Là, les chansons jouent avec cette tension, la maîtrisent…
J’étais estomaqué par ce mélange de calme et de nervosité. C’est vrai, les chansons n’explosent pas mais je peux parfaitement entendre ce qu’elles seraient devenues sur n’importe quel autre de mes albums, là où elles se seraient fissurées, là où elles seraient parties dans le vacarme. Il y a une vraie impression de contrôle… Je ne sais pas si c’est de la sagesse, car ça impliquerait un côté pontifiant, évangélique. Je n’écoute jamais un album pour apprendre quelque chose, pour découvrir la sagesse : je l’écoute pour être embarqué dans un autre monde, malmené, défié… Un bon disque me fait sortir de la réalité, puis m’y raccompagne.
Depuis des années, avec Grinderman, tu joues un rock très physique, animal. Ce nouvel album en est-il l’andidote ?
Avec les Bad Seeds, nous avons toujours enchaîné des albums très différents, déroutants même. La réaction du public à ces mutations, on s’en fiche royalement : tout ce qui compte, c’est de maintenir les Bad Seeds en vie, en survie. Et l’ennui, la routine, l’absence de défis, ça nous tuerait. Mais ce qui nous sauve vraiment, c’est que nous n’habitons pas dans la même ville, qu’on ne se voit pas tous les jours (rires)… On s’assemble en cas de besoin, pour un projet précis. Le but, c’est de se mettre au service des chansons, quel que soit le danger. Chaque membre du groupe connaît son rôle, comme des agents dormants.
Quand même, les guitares sont très en retrait…
Pour une raison pratique : notre putain de guitariste, Mick Harvey, a quitté les Bad Seeds. Avec lui, nous avions toujours tendance à remplir les blancs, Mick rajoutait ses tempêtes de guitares partout (il l’imite)… On avait l’intention de le remplacer mais quand nous avons écouté les premières prises, tout cet espace entre les instruments nous a impressionnés. C’était trop beau pour être souillé par des guitares. On a juste rajouté des choeurs, notamment ceux de l’école du village. Aucun des gamins ne parlait anglais, c’était magnifique… Quand on jouait une chanson, on ne savait jamais où elle nous menait, combien de temps elle durerait… Même moi, je n’avais pas le plan de vol. C’est une façon de conserver la beauté et le danger.
Quel genre de beauté ?
Je passe ma vie à tenter de revivre des épisodes de mon enfance. Il m’est arrivé des choses qui m’ont changé (silence)… Ma notion de la beauté est très liée à ma petite enfance. Écrire, c’est ma façon de retrouver ces impressions, cette lumière.

Line Up :

Nick Cave

Thomas Wydler

Martyn P. Casey

Conway Savage

Warren Ellis

Jim Sclavunos

Ed Kuepper

Label :

Bad Seed Ltd.

Tracklist :

01 – Jesus Alone
02 – Rings of Saturn
03 – Girl in Amber
04 – Magneto
05 – Anthrocene
06 – I Need You
07 – Distant Sky
08 – Skeleton Tree

Album de la Semaine : Thee Oh Sees - A Weird Exits

Thee Oh Sees
A Weird Exits

Interview de John Dwyer, par Je ne suis pas une fille

Comment les membres de Thee Oh Sees se sont rencontrés ? 
John : On habitait tous plus ou moins dans les mêmes quartiers à San Francisco… En réalité nous jouions tous dans différents groupes avant ça, j’ai du voir chaque membre du groupe en jouer avec un autre.
Et toi tu faisais quoi avant de créer ce joli groupe ?
J’étais dans un groupe, Coachwips ça s’appelait, c’était mon dernier projet important disons. Ma vie n’a été faite que de musique depuis que je suis sorti du lycée.
La composition des morceaux se fait en groupe où c’est plutôt toi qui diriges tout ? 
Un peu des deux… Certains disques viennent entièrement de moi, d’autres du groupe entier. Le plus souvent, ils viennent me voir avec ce qu’ils ont fait de mes démos, ça peut donner les morceaux qu’on retrouve sur les albums.
Pour enregistrer autant, il faut en avoir des idées. La tournée aide à garder le rythme ? 
Tourner c’est fun c’est sûr, mais c’est avant tout du travail. La plupart des idées me viennent quand je me pose à la maison ou quand je m’installe ci et là pendant une bonne semaine pour ne faire que ça.
Floating Coffin est particulièrement étrange, presque expérimental par moments. C’est voulu ?
Et non, tout est venu naturellement… la bizarrerie est cool, j’imagine qu’on peut s’estimer chanceux que ce soit sorti de cette façon.
Et l’énergie du live, elle est venue naturellement aussi ?
(Réfléchit un peu, ndlr) Mmh… La plus grosse partie vient du public. Mais de toute manière, qui voudrait aller voir un concert qui ne serait pas un minimum excitant ?!
Touché. Quelques rituels avant de monter sur scène créer cette excitation ?
Un peu de stretch et un bon Jameson avec glace.
On a évoqué l’inspiration à l’instant, mais qu’est-ce qui t’inspire réellement ?
Tous les aspects habituels (jeu de mots en anglais avec usual suspects, ndlr) : l’amour, les conflits, l’art, la nature, la drogue… la vie !
Tu réussirais à choisir ton meilleur concert des Thee Oh Sees ?
Oh non, ce serait comme choisir entre ses propres enfants, je les aime tous. Ce n’est pas possible. Par contre il y en a eu un qui était particulièrement dur… On ouvrait pour Pavement à Central et le show était sponsorisée par Mastercard (il grimace avec humour, ndlr). C’était l’ingé son la difficulté, un vrai connard. Je commence à me dire que t’auras peut-être préféré une anecdote pour drôle ahah.
Des idées pour la suite ? 
On va tourner aux USA en octobre avec deux groupes, Blind Shake et OBN III’s. Après ça, nous allons nous poser et faire une pause pour quelques temps. J’ai maintenant envie de travailler sur de nouvelles idées.
Parlons un peu matos. C’est quoi ta guitare ? Hybride SG/Travis Bean/manche en plexy ? 
Une guitare custom, faite juste pour moi ! C’est un ami qui les fait, Kevin. Il tient une boutique en Floride qui s’appelle Electric Guitar Company, il est vraiment capable de faire quoi que ce soit… C’est fou comme j’aime cet instrument. Mais sinon cette guitare, ma copine l’appelle Sexcalibur (rires).
Tu es très attaché à ton matériel ? Certains prétendent pouvoir jouer sur n’importe quels instruments… 
Oui j’y suis vraiment très attaché. J’envie pas mal les groupes qui peuvent jouer sur n’importe quoi, moi j’essaie de faire du mieux que je peux pour sonner pareil d’un endroit à l’autre. Une grosse partie de mon job réside là-dedans, en cette consistance.
L’idée d’utiliser une Jazzmaster en basse, elle vient de qui ? 
Oh et bien de Petey (ledit bassiste, ndlr)… ce truc c’est son monstre à lui.
J’ai entendu dire que t’avais un label, Castle Face Rds et que tu le dirigeais avec des amis… 
J’adore faire le patron chez Castle Face, on tient ça avec deux amis. Principalement, on permet à des jeunes groupes de réaliser leur premier album, du moins c’est que je tente de faire. Nous sommes constamment en quête d’excitation pour nos oreilles, de trucs qui démontent. Il est possible que j’ai une vision bien différente des autres labels, sur comment ça doit marcher. Le plus important, c’est pas que les groupes nous remplissent les poches. En tout j’ai sans doute bossé avec 15 labels… sur ceux-là, seulement 3 m’ont payé. On veut changer ça pour les petits labels.

Line Up :

John Dwyer
Tim Hellman
Ryan Moutinho
Dan Rincon

Label :

Castle Face Records

Tracklist :

01 – Dead Man’s Gun
02 – Ticklish Warrior
03 – Jammed Entrance
04 – Plastic Plant
05 – Gelatinous Cube
06 – Unwrap the Fiend Pt. 2
07 – Crawl out from the Fall Out
08 – The Axis

Album de la Semaine : Muscle And Marrow - Love

Muscle And Marrow
Love

Interview de Muscle And Marrow, par Brandy Crowe de The Deli

Where are you both from?

Keith: I’m from outer Portland, essentially Beaverton. I went to Beaverton High School and college in Bloomington, Indiana. 

Kira, you’re from Oklahoma? What was it like growing up there?

Kira: I grew up in an affluent part of Oklahoma City. I went to private school my entire life, then catholic high school for one year. My big rebellion was deciding I wanted to go to a public high school to finish. There I continued to rebel in all the ways I could, i.e. reading Bukowski and drinking too much. It was a sheltered environment, but my upbringing was a bit chaotic. My mom struggled with addiction issues, and my father and I had a complicated relationship, though I’m close to both of them now. I inherited my deep love for art from my father and any artistic talent I may have from my mother, who played multiple instruments and sang. She instilled music in me from a young age, and my father, literature and a general feeling of longing, romanticism even.

I have to ask, have you ever been in a tornado? Do you miss thunderstorms? 

Kira: I have been in many, one very dangerous one, but luckily no one I have ever known has died in one. My family and friends are safe, but my thoughts are with those who weren’t as lucky. And yes I do miss thunderstorms! I love that sound while you’re falling asleep, though I was terrified of them when I was a kid. However, I was terrified of everything as a kid.

Did you always pursue music?  Why did you choose to relocate to  Portland?

Kira: Oklahoma City has come quite a long way regarding venues and avenues for young artists to grow and find community, but to sum up simply why I left, when I was growing up being an artist was not part of the consciousness there, it simply was not a possibility one considered.  I didn’t always specifically pursue music, but I always knew I wanted something else than what was being offered to me. Complacency terrifies me; or rather, my capacity for complacency terrifies me.

How did you come to call yourself Muscle & Marrow?

Kira: The phrase “Muscle and Marrow” was taken from a poem I wrote. I like to think that both the muscle and the marrow is inside myself and Keith, metaphorically speaking, instead of one of us being the marrow and one of us being the muscle. Marrow is a reference to bone, to the fragility of life, to what can be fractured, and muscle to strength and redemption. When I wrote the poem my life was in the process of completely changing, and of being put back together again. I was rebuilding the story for myself and I wanted a phrase that could hold both the break and the restoration.

You also work as a writer and editor? What are some differences and similarities between writing/editing books and the songwriting process?

Kira: I’m an editor and writer for Housefire books, a small press here in Portland, and just finished editing an ebook by John Barrios, a local writer. Primarily however my focus is very much on music currently, though I grieve having the luxury and time to write the way I used to. I love both mediums because there are things I could say in a poem I could never say in a song and vice versa, though I am trying, as I evolve, to merge those two things more and more. The song “Eager Little Mouth” has some pretty bizarre and violent images in it, which is much more like the poems I write, so that’s the direction I want to keep going. When I first started writing songs I wrote much more simplistically, lyrically speaking, and the songs were more like straightforward regret or heartbreak. Now I joke it’s more like an abstraction of general self-loathing (or fear, or isolation, or anger). I like lyrics that can dismantle you. Those are my favorite poems too, the ones where you sort of die because you surrender yourself to a different language and world.

              When I write poems or stories, I sit in front of my typewriter in my pajamas and occasionally pace around the house. When I write songs I sit with my guitar in my pajamas and occasionally pace around the house. The processes are different in the sense that my poems tend to be extremely verbose, whereas our songs tend to gravitate more towards wailing, some sort of primitive release, devoid of cognition even at times.  

Who are some of your favorite authors and musicians?

Kira: For musicians: Scout Niblett, St Vincent, Shannon Wright, Chelsea Wolfe, Mount Eerie, Liars. Some of my favorite authors are Virginia Woolf, Dorothea Lasky, David Foster Wallace, Lindsay Ruoff.

Keith: For music my current favorite musicians are Swans, Silver Mt Zion, King Dude, and Vic Chesnutt.

So, you are a couple. How did the two of you meet? It seems you didn't originally plan to play together. He was helping to produce and yet you seem to be flowing well on stage and gaining attention. You mentioned in another interview that it takes the relationship to another level?

Keith: We met in a bookstore. Things evolved organically. I went from producing and playing drums on the recordings to being a full time band member and we’re both happy with the way things turned out.

What was the recording process like for the Eager Little Mouth EP? Any plans to get anything on cassette or vinyl?

Kira: The recording process took place in my basement and they don’t necessarily reflect our current live sound anymore so we have plans to record a full length in October(ish) and hopefully yes that will be out on vinyl. 

Keith: A big part of recording music is knowing when your ideas should prevail and when the artist’s should, when to listen and when to speak. That line becomes less clearly defined when you’re working with someone with whom you have an intimate relationship so the recording process at times for me was atypical, but now that we have been working together for a significant amount of time and evolving musically we feel much more prepared to head back into the studio and much more comfortable collaborating.

What can you tell me about the plans for the future full-length?

Kira: We’re thinking around October we’ll head into the studio, after taking August and September off to finish writing some songs and prepare to record. There will be a different version of the song “Eager Little Mouth” on it, but other than that it will be all new songs. We’re fortunate to have some special guests on one song for vocals-my friend Ali of Death Songs, and Dasha who plays bass for Brainstorm. There will be some songs written on piano by Keith as well, which we’re really excited about.

Keith: We’re particularly interested in combining different textures and sounds. Instead of something linear we want contrast, droning distortion, thrashing drums with vocals that are sonically pleasing, yet lyrically those vocals can be jarring.

And you are starting a short tour soon? Where are you headed?

Kira: In July we’re going to Tacoma, Spokane, Olympia and Seattle. After we release the full length, we have  plans for a larger tour.

Your bio states M&M is "interested in the morose, the ugly, the jarring and the soft."  Can you elaborate or give examples of what is meant by that? And how it is projected into the music? There is a lot of distortion, pauses, and dark, emotional vocals.

Kira: I love sounds, and I love sounds that aren’t necessarily pretty. Just like the lyrics, I also want you to feel dismantled by some of the sounds we make. I am a woman, and I am a woman who has a “pretty” voice, but I’m also confused, lonely, angry, complex just like everyone else, so to create music that is only pretty has never resonated with me. It’s important to me to create music that communicates something more whole than that, and not to be self-aggrandizing, because I’m not saying we are succeeding in that, but that is the goal, to create sounds that are sometimes ugly, sometimes soft, sometimes jarring through heavy distortion, an emphasis on volume fluctuations, through guttural vocals. I want the music, particularly live, to be so intense, to be such a raw expression of what it is to be alive that you are almost uncomfortable. We’re trying to create another language for you, another world. I’ve always been drawn to a dark aesthetic, to something that although might sound or might be rooted in loneliness, when expressed through art, it can make some lonely person suddenly less lonely, that unifying feeling of collective isolation or sadness or anger. That is a powerful thing.

Keith: I have always been drawn to beauty tempered with the grotesque and the vulgar, and that is what we attempt to do, because that is what it feels like to be alive, and it’s what moves us. It seems intuitively to me that that is a universal thing to some extent, and all we can hope for is that some people are also moved by this expression, or even more simply, that we are succeeding in this expression. Then I suppose we can worry about whether other people are also moved by it.

Line Up :

Kira Clark (guitar, vocals)
Keith McGraw (drums, samples)

Label :

The Flenser

Tracklist :

01 – My Fear
02 – Black Hole
03 – Womb
04 – The Drooling Mouth
05 – Sacs of Teeth
06 – Bereft Body
07 – Light

Album de la Semaine : Poison Point - Motorpsychold

Poison Point
Motorpsychold

Critique de l'album, par Watchman de Nightfall

Poison Point est un projet de darkwave /synthpunk créé en janvier 2015 par l’artiste et multi-instrumentiste lyonnais Timothée Gainet. Après une première démo 3 titres, 2016 voit l’arrivée d’un premier véritable album intitulé “Motorpsychold”, sorti sous la bannière du label indépendant Third Coming Records.
Hypnotique, futuriste voire robotique sont les mots qui nous viennent d’emblée à l’esprit lorsque l’on prend la peine de se pencher sur cette œuvre atypique : véritable bande-son d’une chevauchée nocturne et urbaine en plein décor post-apocalyptique.
Sur un beat généralement soutenu, parfois frénétique, les notes acérées et galopantes de basse se frayent un passage au milieu de nappes de synthétiseurs tantôt sombres et angoissantes, tantôt mélodiques et virevoltantes. Pas de doute, l’esprit coldwave minimaliste des Grands Anciens (Joy Division, The Cure) est bien présent. De même qu’une touche noise et indus à la Killing Joke/Sonic Youth, et aussi l’influence de formations expérimentales plus récentes comme The Soft Moon, Charles de Goal ou encore Komplikations. À la façon d’un gourou, la voix froide et appuyée de Tim déclame quant à elle ses paroles au-dessus de ce maelström musical diablement cohérent et maîtrisé. On a véritablement l’impression qu’un cyborg s’est emparé de la chaire du prêtre pour prêcher à des ouailles en pleine transe, pris dans la fièvre d’une rave-party spatiale et lunaire.
Produire un premier album de qualité n’est à l’heure actuelle plus tellement chose rare. En revanche, en composer un qui, en plus de la musique vous propose de vivre une véritable expérience à la fois sonore et sensorielle relève là carrément de la performance. Marchant directement dans les pas des vétérans français de Guerre Froide, Leitmotiv ou encore Kas Product, Poison Point pourrait bien s’imposer comme la relève du mouvement coldwave/darkwave dans l’Hexagone. À suivre.

Line up :

Timothée Gainet

Label :

Third Coming Records

Tracklist :

Poison Point-Far Away

×Poison Point-Osiris Temple

×Poison Point-Horreur Boréale

×Poison Point-Drakkar Noir

×Poison Point-My Lips, Your Lips, Apocalypse

×Poison Point-Silent Heart

×Poison Point-Neue Automat

Album de la Semaine : The Kills - Ash & Ice

The Kills
Ash & Ice

Interview de The Kills, par DIY

There’s almost no other band out there with the same razor-sharp instinct of The Kills. You can play pinball-speed dot to dot with their inescapable influence. Stints in The Dead Weather with Jack White are one thing - they’ve also whizzed through brief, bizarre appearances in Hello! thanks to a certain supermodel marriage. By word association alone, The Kills are everywhere. The next few months see them visiting more or less everywhere on tour, too, and in just a few more days, they dart off Stateside to test-drive their new album on stage for the first time. Sufficiently nicotined, and sipping on strong black coffee (these things are necessary pre-noon, according to The Kills) the band have just been asked about the starting point for their fifth record, the too-close-for-comfort track ‘Siberian Nights’. Apparently, they’re not in the mood to play ball.
“It’s about Vladimir Putin,” deadpans Jamie Hince, exchanging a sideways smirk with a visibly amused Alison Mosshart. “With a homoerotic vibe. I wanted to imagine him as a tyrant that’s got a bit of time off. He’s with this man, and he just wants the warmth of a masculine body. They’re cuddling and he says ‘Look, we can get back to being tyrants tomorrow. I’ve got needs, but no-one understands. I love all these people – I even love Pussy Riot – but why don’t they love me?’” he grins. Alison tries, and quickly fails, to stifle a laugh.
“It’s a sweet, sensitive, homoerotic fantasy,” Jamie adds, embellishing further still. “Not my fantasy! [Putin’s] fantasy. I don’t know who his mate is that he wants to cuddle,” he concedes. “Probably Tony Blair.”
It’s a typical interaction between the two. Jamie will happily muse endlessly on any subject, meandering vaguely between topics. Alison, meanwhile, interjects with the odd wry comment, delivering concise summaries with killer comic timing. It’s an innate chemistry that has formed the basis for The Kills since they first paired up around the turn of the Millennium, and sixteen years on, that duality is slap-bang at the sizzling centre of their fifth record, ‘Ash & Ice’. Blazing fire meeting frosty water, black fizzing against steely white. They’re the very definition of chalk and cheese, these two, and yet together, they’re one magnet-bound whole.
“It’s kind of gross actually!” laughs Jamie, recalling the inspiration for their new album’s title. “I chucked my cigarette in a glass of ice. It’s also quite life enhancing, isn’t it?” he asks rhetorically, miming holding the two objects with gusto. “A spliff and a drink!”
‘Ash & Ice’ is a bit like The Kills in spirit, then. Like so many magical artistic duos they’re vocally fascinated by – the stained-glass loving, suited-and-booted eccentrics Gilbert and George, the shock-tactic sibling art duo Jake and Dinos Chapman, the list goes on and on – it’s a project that depends entirely on the dynamic of two opposing people, pushing for the precise same thing. “Yes,” snorts Jamie. “We’re sort of like muddy water.”
“It’s a relationship. It’s a type of relationship,” agrees Alison. “You usually gravitate towards people who have things that you don’t; that are the things that you’re not. You find the whole spectrum, that way, this feeling of completeness. With art, that’s a big thing,” she nods. “It’s really big to have that.”
Like all brilliant creative accidents, The Kills first met by fluke. Alison was over on the other side of the Atlantic on one of her usual spontaneous whims, crashing with a mate, when she heard Jamie mucking around on his guitar through the ceiling. She set out on a mission to find the owner of the strange sonic squalls, and soon afterwards, on another of her drop-of-the-hat impulses, she packed up the contents of her “shithole” flat in the States to form a then-nameless band with Jamie in London. Following their first ever gig together at London’s 12 Bar, Alison got the show’s date (14th February 2002) etched in tattoo ink on her left hand – a fairly fearless statement of commitment if ever there was one. The Kills instantly knew that what they had together was one in a billion.
“We both signed this imaginary pact of commitment, with faith that we would do the same thing,” remembers Jamie. “We would join forces for this creative thing, with double the punch.”

“No-one sends you a memo,” scoffs Alison, reflecting on the exact moment she decided to uproot her entire life and give everything to The Kills. “You can just feel it,” she expands. “I always trust myself in that respect, to the point where people might think I’m insane! I’m just like – nope, this is what we’re doing, this is what is right. You’re going to believe me eventually! Just hang on.” She beams at Jamie. “I read Led Zeppelin talking about it in an old interview,” he continues. “They said that when they played together, they just looked at each other and they just knew that it was one in a fucking billion chance. The chemistry was just like that. After reading that, I applied it to my thing, with her [Alison] and I thought, ooh,” he laughs, “it’s the same.”

Accidents frequently strike The Kills, it turns out. Prior to their second album way back in 2005 it was a broken, unusable Moog synthesiser that took them to the resulting cyclical fuzz of ‘No Wow’. With their last record ‘Blood Pressures,’ a shattered elbow on Jamie’s part led the way to a more taut, synthetic aesthetic. This time around, an apparently calamitous Jamie came a cropper yet again, and broke his finger in a fairly major way. He had to relearn an entirely new method of playing, as you do. “It’s true,” Jamie observes. “Please,” he groans theatrically, “this can’t be the theme!”

“I think that generally helps when you’re creating something,” Jamie goes on. “Stopping in your tracks and thinking ‘how am I going to do this?’. I think you can hear that in art and music, when it’s a triumph over adversity. Triumph over ability – ideas over ability – makes for great sounding records,” he nods.

Both Alison and Jamie subscribe to the idea that, while things can be helpfully nudged in the right direction, it’s impossible to force innovation. While Alison was occupied elsewhere working on the latest Dead Weather album with Jack White, Jamie booked himself a train ticket to the other side of the world. Boarding the Trans-Siberian Express, bound for the Far Eastern city of Vladivostok, his goal was a simple one. He “wanted more out of lyrics.” 6,000 lonely miles in a titchy cabin, overlooking vast expanses of isolated rural Russia is pretty ripe stomping ground for anxious, buttoned-up songwriting – you’d think, anyway. Instead, he returned from his impromptu field trip with a scribble-filled notebook of early ideas that were anything but icy and paranoid. Alison, meanwhile, rocked up at recordings with hundreds of vague blueprints - “[she] creates in explosions,” remarks Jamie. “You’ve got to drink an ocean to piss out a cupful,” he adds, paraphrasing the French realism champ Gustave Flaubert.

“I think you have to be open to receive them,” Alison picks up, referring to the creative mishaps that continually shape The Kills. “You have to be aware of when ideas strike. Sometimes it’s hard to describe. Maybe it’s an accident…” she ponders. “Or maybe it’s being in the right frame of mind.”

Born from isolation, ‘Ash & Ice’ quickly became an album about yearning for connection instead, whatever the cost. Trying to skewer the branches of a ‘Bitter Fruit’ but salivating after it all the same, trying to break a habit but caving into vice, there’s an inherent tension coursing through every shuddering piston-riff. Quiet, vulnerable pockets typically get the The Kills treatment, too; Alison growling of fucked up love and destroyed relationships through clouds of regret and cigarette smoke.

Spiky guitars find a new home on ‘Ash & Ice’, too. Though there’s that ever-characteristic spininess still colouring the likes of lead single ‘Doing It To Death’ and closer ‘Black Tar,’ the duo’s usual drum machine tenacity has morphed into something more meaty, and textured. Often, Jamie’s Hofner guitar takes over the artery-pulse instead, chugging and rattling like an unstoppable freight train. “Maybe that’s cos I lost a finger!” hoots Jamie. He might laugh it off now, but thanks to that hand injury of his, he thought it might be curtains on The Kills as they knew it – for a time, at least. “My hand did have a lot to do with it,” he adds. “I felt like I wasn’t going to play guitar again, didn’t I?” he asks, looking across to Alison. Six surgeries, and a tendon transplant later, though, he’s still shredding.

You only have to look as far as Jamie’s Putin-related tomfoolery earlier today to hazard a strong guess that he’s not really a subscriber to overthinking. But still, there’s a determination to ‘Ash & Ice’ that can only spring out of impossible obstacles. This is an album dominated by all-consuming hunger, and limitless infatuation – a blinkered pursuit of the one thing that makes you tick. Shaken off its tracks by a lust-locomotive in ‘Days of Why and How,’ and loyal to the bitter end on ‘Heart of a Dog,’ The Kills’ latest record hungers for connection to chaos. It’s a conscious mission that took the duo out of their comfortable recording bubble in Benton Harbor, Michigan, and saw them setting up studio the other side of America in alien LA.

“I liked recording in Michigan because it was like locking ourselves away and building this secret machine,” Jamie says. “But you do tend to find, while no distractions help you work harder, it’s also not really getting any outside stimuli for creativity. Songs tend to be more introspective, maybe, relying on imagination. There were a lot of stories on our last album [‘Blood Pressures’].” he concludes. “We really wanted to mix it up, invite some opportunity. We wanted a bit more chaos. We wanted to absorb that into the record.”

The Kills got their wish for mayhem, and then some. “I recall a hotbed of criminal activity,” deadpans Alison. “We were up in the mountains,” remembers Jamie, “and you’d get the coyotes coming up, and a minute later, these… what are those other things?” he asks Alison. “Racoons,” he exclaims. “Racoons, in the hot-tub!” His bandmate looks vaguely bewildered, and throughly unconvinced. “I never saw them in the hot tub…” Alison mutters.

“Well, that little fountain thing,” Jamie justifies. “Whatever that was!”

“There was that crane, too,” Alison smiles. “We had wildlife, but we also had gang members. All sorts of things, running through the yard. Constant entertainment.”

Everybody needs good neighbours

When Alison first uprooted everything to relocate across an entire ocean, she found herself a little culture-shocked by our island’s peculiar customs. Now, sixteen years later, the tables have turned. Giving life in the States a go, Jamie is permanently confused by Americans. Luckily, he’s got some friendly neighbours to help him through this difficult time.
Jamie: I’m spending more time in America. It’s a trial. I still hang out with British people there though! Miles Kane, Alex Turner, Mike from Royal Blood – they’re my neighbours.
After a two-and-a-half-month stint at their new studio in LA, The Kills found themselves with thirty-odd contending songs, and chewing at the bit to finish ‘Ash & Ice’. After dangling microphones out windows to sample whirring police helicopters, and recording ramshackle vocal takes while crouched on the bathroom tiles, Alison and Jamie headed towards yet another of the polar opposites that shape this album. It took them to the decidedly legendary Electric Lady Studios in New York’s Greenwich Village. Once the stomping ground of Jimi Hendrix, it wound up being the place where The Kills put a full stop on ‘Ash & Ice’.
“It was the perfect antithesis to recording in a house,” Alison explains.
“They did tell us: Jimi Hendrix lived there, in the house we rented in in LA,” realises Jamie, suddenly. “Then obviously we went to Electric Lady, which was his studio. That’s only just dawned on me,” he adds.
“He was throwing lightbulbs at you,” Alison says, without stopping to clarify that she’s referring to the ghost of Jimi, here. Obviously. “Lights were literally falling from the ceiling. Really bizarre.” Hendrix’s spirit, The Kills agree, found its way onto ‘Ash & Ice’ too – in yet another of their strangely coincidental turns.
“I would never in my life have considered using a wah-wah pedal,” says Jamie. “Apart from the fact we were at Electric Lady, and I just thought, ‘Come on, let’s do it!’ I haven’t heard a wah-wah pedal on a record for such a long time, and I still don’t think it’s ready.” The pair burst out laughing. “I think it’s too early for that shit to come back,” hoots Jamie. “But I thought, fuck it! I’m going to do it!”
“Just an itch,” grins Alison.
Though they might be a truly transatlantic band – frog-hopping between continents depending on their mood – The Kills have always been open about one of their main inspirations. Following Alison’s brazen first show tattoo, when the time came to settle on a band name, the pair chose The Kills because it seemed timeless. Both are huge fans of Velvet Underground, in particular, and in early interviews, The Kills often spoke of doing an Andy Warhol, and locking themselves away in a tinfoil coated, self-contained music factory. Unwilling to compromise, the band was born as a place where Alison’s painting, Jamie’s photography, and their collective musical output could all come under the same umbrella. Far from being a nostalgic goalpost, though, Velvet Underground just happen to be an example of that being possible.

On it like a car bonnet

Alison, you look very cool in the ‘Doing It To Death’ video. Sensational balance. Be real with us, though – you definitely fell off that car bonnet a few times, didn’t you?

Alison: [Laughs dismissively] No.

“We don’t have to give anything up to do a band,” states Alison. “We can keep doing all of that stuff, and it can keep being part of one big huge picture.”

A debate between the pair – concerning Jamie’s photography – follows. He’s convinced it isn’t a serious pursuit; Alison thinks otherwise. “It’s your perception! Your seriousness about yourself…” she tells him. “It started just being about wanting to capture things because it might not be like this forever,” he says, brushing it off, “it might all be over. We couldn’t believe we were staying at The Chelsea Hotel!“ he exclaims, referring to the band’s drawn-out residency at New York’s most infamous hotel in the run-up to ‘Blood Pressures’.

Now a closed-down shell, the Chelsea’s days of Patti Smith casually greeting Salvador Dali in the lobby, fringed by glimpses of Allen Ginsberg and Leonard Cohen, are now decades down the chute of history. “Edie Sedgwick set fire to her room,” Jamie says, moving off on a tangent concerning one of Andy Warhol’s superstars who used to reside there. “We used to stay in her room, we requested it deliberately.”

“Sadly we missed that time,” quips Alison dryly. “We came just after.”

The Kills wouldn’t have it any other way. Obsessed with reflecting the here and now, glancing in the rear-view mirror and watching the road peel away just isn’t their style. Jamie Hince and Alison Mosshart continually rev towards new horizons. It’s the killer driving force behind the band.

As much as icons of the past shape The Kills’ artistic vision, they’ve got no time for nostalgia. The drive to surge forward is audible in every note they play. “It’s impossible to avoid,” shrugs Alison, “but you try not to focus on it.” Present moments over rose-tinted reflection, forever rallying against the tide of retrospect; it’s the sole reason The Kills continue to be one of music’s most potent duos. To nick their own self-assured words from comeback statement ‘Doing It To Death’ they’re double sixing it, night after night. Chance might’ve shaped ‘Ash & Ice’ but when it comes to The Kills, the dice is loaded on a winning streak.

Line Up :

Alison "VV" Mosshart
Jamie "Hotel" Hince

Label :

Domino

Tracklist :

01 – Doing It To Death
02 – Heart Of A Dog
03 – Hard Habit To Break
04 – Bitter Fruit
05 – Days Of Why And How
06 – Let It Drop
07 – Hum For Your Buzz
08 – Siberian Nights
09 – That Love
10 – Impossible Tracks
11 – Black Tar
12 – Echo Home
13 – Whirling Eye

Album de la Semaine : White Night Ghosts - Exorcism Party

White Night Ghosts
Exorcism Party

Interview de White Night Ghosts, par Kerill Mc Closkey

White Night Ghosts évoque le rêve, le cauchemar, la danse, la mort brutale, le rock, l’électro, la tristesse, le plaisir morbide, l’anxiété, la confiance. Mais quel fou peut bien créer telle musique ? Éléments de réponse.

« Les Bombes Seront Les Graines d’Un Autre Monde ». Placée en tête de son premier EP (Joy, 2013), la porte d’entrée au monde de White Night Ghosts n’était pas là pour rassurer. Au moins, on savait où l’on mettait les pieds et qu’il fallait écouter : rien n’attise plus la curiosité qu’un titre grandiloquent dans son pessimisme. « Decadence » arrivait ensuite et c’était la révélation : la guitare était éminemment shoegaze, mais l’atmosphère ultra synthétique. Le morceau se finissait même sur un bon gros drop aux raisons obscures : c’était pour faire danser ça ? On voudrait bien voir la boîte de nuit assez audacieuse pour le placer en pleine soirée.

« LES GROUPES QUI CONTINUENT À ME PASSIONNER AUJOURD’HUI SONT CEUX QUI NE SE CONTENTENT PAS D’APPLIQUER À LA LETTRE LA RECETTE DE MY BLOODY VALENTINE »

Le second EP de White Night Ghosts se nomme d’ailleurs Exorcism Party (sorti le 14 mars grâce à Cranes Records), comme pour clarifier les intentions d’un projet qui se terrait jusque-là dans le mystère. « Je communique au minimum, c’est vrai, et uniquement pour parler de ma musique »accepte-t-il de nous confier. « Il faut parfois « prouver » que tu existes dans le monde de la musique, mais celui-ci, sphère indépendante comprise, ne m’attire pas vraiment. J’aime bien l’idée de me dire que je n’y appartiens pas. Je fais en sorte qu’il n’y ait que la musique et ce qu’elle dégage qui comptent. Je la laisse parler d’elle-même ».

C’est à Nantes qu’Antoine Warneck, l’homme derrière White Night Ghosts, commence à jouer dans le groupe garage-rock The Snoops, avant de monter son propre projet solo. Comme il le dit joliment :« White Night Ghosts est né quand j’ai compris que le groupe était mort ». Antoine parle là des Snoops, mais la phrase pourrait être étendue au concept de groupe en général. Ancré dans une tradition shoegaze et cold-wave reconnaissable, White Night Ghosts sonne en effet comme la brûlure de ce rock contre les moyens technologiques qui permettent à Antoine de produire depuis Rennes une musique plus large, plus ambitieuse, plus forte. « J’ai écouté énormément de shoegaze pendant un temps » nous confirme Antoine. « Et puis tu te rends compte que c’est un « genre » qui a tendance à rapidement tourner en rond. Les groupes qui continuent à me passionner aujourd’hui sont ceux qui ne se contentent pas d’appliquer à la lettre la recette de My Bloody Valentine, ceux qui cherchent au contraire à vraiment se réapproprier les « codes » du shoegaze d’une manière plus personnelle, et/ou en les adaptant à d’autres genres musicaux. Je pense à M83, The Soft Moon, Unison, Screen Vinyl Image, Jesse Ruins, Loveliescrushing et Fuck Buttons par exemple ».

« L’ASPECT TECHNO, JE LE VOIS SURTOUT COMME COMME QUELQUE CHOSE D’IRONIQUE »

Il est très rare de voir aujourd’hui débarquer des projets avec direct un son et des idées bien définis. Pourtant cette patte spéciale dont Antoine parle, White Night Ghosts l’avait trouvé dès le premier EP avec son effrayant emploi d’ambiances techno à tendance industrielle. Caractéristique qu’Antoine a approfondi pour Exorcism Party : « J’ai pris plus de distance par rapport à l’influence shoegaze. La guitare n’est plus qu’un élément ponctuel. L’aspect électronique d’Exorcism Party, je le voyais surtout comme quelque chose d’ironique (sans qu’il n’y ait rien de péjoratif à cela) dans le sens ou je l’ai utilisé pour son coté « signifiant », pour ce qu’il représente, pour ce qu’il évoque, davantage que pour son aspect purement musical. D’ailleurs, je ne suis pas très calé, rare sont les projets techno qui m’ont vraiment marqué ».

Rares encore une fois sont ceux qui se permettent de dépasser leur propre goûts musicaux au service de l’originalité de leur musique. Antoine ne souhaite pas se raconter par White Night Ghosts. Il ne cherche pas à nous éclairer sur ce que son papa écoutait dans la bagnole, ou sur ce qui fait danser les jeunes bretons du XXI^e siècle, cette espèce étrange. Il veut plutôt que White Night Ghosts crée son propre monde beau et morbide à la fois, là où une tension peut se créer, la où une histoire peut être imaginée. Cette qualité du projet a d’ailleurs amené le réalisateur américain Sean Baker à quémander deux morceaux d’Antoine pour son Tangerine, film récompensé au festival de Deauville qui suit un prostitué trans dans Los Angeles. « Je mets beaucoup de distance entre moi et ma musique » nous affirme-t-il. « Je cherche avant tout à créer quelque chose que j’aimerais écouter en tant qu’auditeur, car je me vois comme un mélomane avant de me voir comme un musicien ». Voilà un homme qui respecte son public. En plus de le faire flipper.

Line Up :

Antoine Warneck

Label :

Crane Records

Tracklist :

01. Post Love
02. Deviance
03. Body Destruction
04. Fake

Album de la Semaine : Mütterlein - Orphans of the Black Sun

Mütterlein
Orphans of the Black Sun

Chronique de "Orphans of the Black Sun", par Leoluce de DCALC

Orphans Of The Black Sun est le premier album de Mütterlein. D’emblée, comme ça, au regard du patronyme (emprunté à Nico et son fabuleux Desertshore), de la saisissante pochette et du vénérable logo qui se trouve dessus (Sundust Records, le tout jeune label monté par Vindsval de Blut Aus Nord et Phil de Debemur Morti Productions), on s’attend à quelque chose de sombre, de martial, aux connotations éventuellement black. On n’a pas tout à fait tort mais on n’a pas du tout raison non plus. Sombre, indéniablement, Mütterlein l’est. Martial, pas complètement et black, pas du tout. Le duo n’a rien à voir avec le metal et envoie valdinguer bien loin guitares plombées, batteries hachées menu et basses maousses au profit d’un amoncellement de claviers sur lequel plane la voix déchirée et expressive de Marion Leclercq (d’Overmars). De cette formule somme toute assez simple (une voix, des arrangements), Mütterlein tire pourtant une substance particulièrement magnétique et envoûtante. De l’emphase (dans le bon sens du terme), du souffle, des atmosphères prenantes : les morceaux positionnent en permanence leur curseur sur la zone proximale qui les empêche de tomber dans le trop plein. Dès lors, l’ensemble sonne imposant et luxuriant alors même qu’il est bâti sur un parterre pelé. Majoritairement congelé, il rappelle les premiers Dead Can Dance tout en incorporant des éléments plus contemporains que l’on pourrait aller chercher du côté des dernières incarnations des Swans. C’est d’ailleurs assez étonnant, cette grosse vibration cold wave associée à des accents plus ritualistes (à en croire les tags de la page bandcamp, il s’agirait de witch wave sans qu’on y trouve quoi que ce soit à redire), parant les morceaux décharnés d’un voile énigmatique mais néanmoins velouté. Non seulement, il fait froid et sec mais en plus, l’obscurité est de mise.

Quelque part, ces six titres inventent leur propre folklore et semblent parvenir de temps anciens et oubliés. Partagé entre imprécation, mantra, psalmodie, scansion possédée, le chant apporte son lot de nuances, souvent esseulé mais parfois accompagné de chœurs incarnés rendant l’ensemble encore plus solennel. On a l’impression d’interrompre un rituel dédié à un culte païen, de surprendre une prière intime ou un monologue rageur. Lesbian Whores And Witches, en ouverture, accapare de suite. Son orgue majestueux se drape d’une belle emphase systématiquement déchirée par le tranchant de la voix. Quelques percussions martiales et une guitare post-punk aux entournures viennent habiller l’écorché sur la toute fin, le rendant plus sidérant encore. D’autres morceaux suivent cette voie théâtrale et possédée – Blackdog ou encore Heirs Of Doom. Bâtis sur un tempo lent, ils déroulent un psychédélisme noir très immersif qui agrippe les neurones pour ne plus jamais les lâcher. On trouve également des morceaux plus courts, plus urgents, où le sabbat revêt des frusques un peu plus binaires, comme le fabuleux My War par exemple, aux claviers concentriques surplombés d’un chant rageur ou encore My Ghost Army plus loin, peut-être le morceau le plus prototypiquement « rock » d’Orphans Of The Black Sun. C’est que Mütterlein doit aussi beaucoup aux arrangements de Christophe Chavanon (du studio Kerwax où ont été capturés pas mal de disques qui hantent mes étagères et  les vôtres probablement aussi). Tout aussi variés que le chant, ils concourent grandement à la mystique froide du disque et on sent bien que le duo sait ce qu’il fait : des poussières de batterie, d’autres de guitare, des claviers partout, des nappes anxieuses, de l’enluminure triste et glacée, des chœurs spectraux, de l’amalgame fantomatique, des idées en veux-tu en voilà.

Ce post-punk hanté et rituel se développe surtout à l’ombre de morceaux superbement écrits. Les émotions y sont non feintes et la densité bien réelle quand il était si facile de tout surjouer. Dès lors, c’est bien à une expérience que le disque nous convie. On lui sait gré de nous convier au sabbat qu’il laisse entendre sans nous reléguer au rôle de simple spectateur. Orphans Of The Black Sun étant bien sûr avant tout ce qu’il est mais aussi un petit peu ce que vous en faites. En tout cas, pour une première, Sundust Records ne pouvait rêver mieux.

Magistral.

Line up :

Marion Leclercq

Christophe Chavanon

Label :

Sundust Records

Tracklist :

01. Lesbians Whores And Witches
02. Black Dog
03. My War
04. Heirs Of Doom
05. Ghost Army
06. Mother Black Sun